S. Beckett Gookin presentó sus investigaciones sobre avances científicos específicos, en este caso con una conferencia para mostrar cómo la biomimética se está convirtiendo poco a poco en el mismo concepto que el biohackeo, a medida que empezamos a entender las complejidades de nuestros propios cuerpos e incluso podemos hackearlos y monitorearlos. Habló de manera conceptual sobre el impacto que van a tener estos cambios en la sociedad y sobre los avances que podrían derivarse de estos descubrimientos. POR EJEMPLO. Para demostrar estos avances, utilizó algunas de sus observaciones mediante biomímesis, como una proteína verde fluorescente que se descubrió recientemente en las medusas y que puede clonarse en bacterias y luego usarse en muchos procedimientos médicos y también en bioarte.

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Luego hizo una demostración de cómo injertar diferentes especies de cactus usando esquejes y gomas elásticas en un taller participativo con el grupo local de niños Fundación La Esquina.

Para AKI AORA 2019, los Invasorix fueron invitados a volver a continuar su investigación de la residencia del año pasado en el espacio público. Para AKI AORA 2018, los miembros de Invasorix (Unx y Nabil) exploraron, a través del cuerpo y la danza, géneros musicales con los que «perrear». Tras seleccionar varios temas de reggaetón, dancehall, funky, carioca, champeta y estrangulamiento cuyas letras empoderaban de manera inusual a las mujeres, llevaron a cabo diferentes provocaciones físicas como formas de protesta feminista queer en las calles de Tulum. Utilizaron sus cuerpos como un gesto para apropiarse y recuperar el espacio público, y a menudo se posicionaban cerca de las obras en construcción como símbolo de la incesante construcción inmobiliaria que forma parte del paisaje de Tulum y que socava la ilusión y pretensión «ecochic» del lugar. Estas danzas y músicas pretendían deconstruir la exotización y mitificación de las mujeres y la feminidad definidas sobre la base de los estereotipos de género, sexualidad y radicalización.

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Durante el año pasado, como extensión de esta investigación, han estado desarrollando su propia canción de reggaetón «Me duele horriblemente la piel de Güerx» para investigar más a fondo cómo este género musical puede implementarse y entenderse como un gesto «decolonial» y feminista. Esto los llevó a desarrollar su nuevo proyecto para este año, «Cop a feel on your VIP position», mientras continuaban explorando los flujos públicos y privados que sitúan a Tulum como un «paraíso caribeño».

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Para su primera intervención pública, instalaron un estudio de belleza en las calles de la ciudad de Tulum, una alternativa deliberada a las tumbonas vernáculas casi privatizadas de la franja de playa destinadas a atender a turistas adinerados. En vez de eso, ofrecieron tratamientos faciales gratuitos exclusivamente a los residentes locales de Tulum. Con sus uñas recién adquiridas, incómodamente largas, pinnies con estampado animal y pantalones cortos brillantes como uniforme, realizaron tratamientos faciales que incluían «Ruido blanco» y «Devuélveme el oro», es decir, quitarse las máscaras y acompañar las conversaciones en el salón de belleza como actos catárticos simbólicos para limpiar a sus clientes de este «ruido blanco», lo que ponía de manifiesto las contradicciones inherentes a la creciente toma de posesión de Tulum por parte de turistas privilegiados, predominantemente blancos.

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Su proyecto se convirtió en averiguar cómo reconocer de manera legítima y significativa su propia participación en este «ruido blanco» como artistas visitantes, culpables de venir a las tierras de Tulum para intervenir en el paisaje, intentando imponer sus propias formas de ser, vivir y pensar, en paralelo al turista que llega al paradisíaco lugar para consumir, sin preocuparse por la devastación social y el medio ambiente que deja a su paso.

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Desarrollaron varias estrategias performativas para investigar más a fondo esta posición de privilegio, en primer lugar, una en la que interrogaron a sus compañeros de la residencia AKI AORA. Plantearon preguntas relevantes y, a menudo, incómodas a los demás participantes en el acto frente a una cámara, preguntas que nosotros, como profesionales del arte, nos planteamos constantemente: «¿Qué consideras un privilegio?» así como «¿Cómo crees que el arte contribuye al aburguesamiento?»...

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Para su actuación final, utilizando un megáfono y bailando, movilizaron a los residentes y turistas de la zona nocturna más poblada de la ciudad, llamando a los observadores cercanos al espacio de actuación, una pared cerca de la calle que contiene el bar de reguetón local de la ciudad. Comenzaron su trabajo con una interpretación audaz de su canción de reguetón, cuyo contenido reforzó y profundizó aún más las cuestiones del «privilegio blanco» y se burló y aconsejó a la guerra o a «la pálida» sobre ser más conscientes y exigir que se enfrentaran a sus «SABROSOS PRIVILEGIOS»... PROMOVEMOS EL PATRIARCADO CAPITALISTA SUPREMACISTA BLANCO PARA ACABAR CON SU COLONIALISMO Y MONOPOLIO».

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A continuación, se publicó una recopilación en vídeo de las entrevistas realizadas por los residentes y por ellos mismos sobre estas nociones, centrándose en las diferentes posiciones de los miembros de la residencia mexicanos, estadounidenses y británicos. A continuación, se produjo una «pausa comercial» con un breve anuncio que contenía las diferentes máscaras faciales que habían inventado antes de culminar con una intervención basada en texto en la pared en español y maya... una intervención pública duradera para el público de habla hispana y maya sobre estos temas de privilegio.

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Wendy Cabrera Rubio y Josué Mejía exploraron el tema del ecoturismo y la intersección entre el capitalismo, el entretenimiento, el activismo, la protección, el desarrollo y la industria en Tulum y sus alrededores. La pieza explora los conceptos de réplica, escala y modelo para hablar sobre la construcción del imaginario que ayuda a crear la identidad nacional.

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La pareja trabajó con Guadalupe, una profesora de arte local y experta en hacer réplicas de objetos mayas e históricos. Pasó una semana enseñando a los artistas cómo hacer réplicas de objetos prehispánicos mientras les contaba su sueño de crear un museo de réplicas. Juntos, los artistas y Guadalupe conceptualizaron un espacio de galería, en lugar de hacerlo según la visión de Guadalupe. Hicieron un modelo del aspecto que debería tener y lo que debía contener, jugando con el concepto de las escalas, tan importante cuando se trabaja con réplicas.

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Durante la residencia, los artistas profundizaron en las complejidades del ecoturismo en la zona, vinculando varias arquitecturas ecoturísticas con la historia de la representación propia de México de su historia cultural. Se centraron principalmente en el parque ecológico más destacado de la zona y lo vincularon con dos proyectos arquitectónicos de una de las figuras más importantes en la creación de los símbolos e imágenes de la nación mexicana, el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez, con especial referencia a dos de sus edificios: el Pabellón de México en 1992 en Sevilla y el Museo de Antropología de la Ciudad de México. Wendy y Josue trabajaron con la estética del parque ecológico y sus vallas publicitarias, en particular el uso de la figura «X» en relación con la prominencia de esta carta en los maniquíes del importante museo etnográfico de la Ciudad de México y en los murales de Carlos Mérida y Matiaz Goeritz (que se encuentran en el mismo edificio). La política del uso de la letra «X» —su estética en forma de cruz como una de las armas utilizadas para representar «México» en lugar de deletrearla con la «j» española— enfatiza la relación de México con el mundo y su pasado prehispánico. Esta letra suele estar presente en la estética de Ramírez Vázquez.

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Para su último trabajo, presentado en la Casa de la Cultura pública de Tulum, la pareja creó una obra en forma de conferencia en la que los dos oradores tienen la forma de un tucán y un guacamayo, representados por alas de sombrero de pájaro bellamente elaboradas a mano por los profesores. Los ponentes se felicitan a sí mismos y se enorgullecen de ser nacionalistas. Tucán Grande es especialista en maquetas. Red Macaw es el desarrollador de un proyecto de construcción nacional. Los personajes se refieren a México como un modelo a escala cambiante que depende de varios puntos de su historia nacional, que se ve ampliado o empequeñecido por diversos factores externos que dependen de su importancia en la historia mundial en ese momento, y que también satisfacen el exotismo de México cuando se presenta a una escala pequeña y manejable. El guion narra una ficción en la que México queda empequeñecido a escala 1:25 para aparecer en el pabellón mexicano de Sevilla en 1992 con una escala 1:70 para la proyección de una galería propuesta por un artesano que se dedica a replicar obras prehispánicas. Se explora el desarrollo de la marca de un parque ecológico en relación con símbolos similares de orgullo nacional para ayudar a atraer más turismo. Las programaciones visuales de la nación, el parque y el museo como nación están interrelacionadas y se presentan como expresiones del orgullo y el poder nacionales. Los personajes también investigan la escala y los problemas que plantea su uso para representar diversas identidades indígenas en la museología, ya que siguen destacando los problemas de la construcción de una nación.

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«Para presentar un país tiene que haber una integración total entre los edificios y el contenido. Para tener algo que fuera un símbolo de esa encrucijada de culturas, optamos por la «X», que también tiene otras connotaciones. Como México es el único país que se escribe con una X (Luxemburgo es un ducado), esta ortografía ya había sido reconocida por los españoles. Por otro lado, en varias palabras de origen náhuatl, la «X» es fundamental. Por lo tanto, podemos representar ese símbolo».

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De acuerdo con el tema de este año sobre el antropoceno y el cuestionamiento del crecimiento acelerado de Tulum como una nueva forma de colonialismo, Rogelio Sosa fue invitado a volver a proyectar una documentación editada de su actuación en vivo de tres horas que había desarrollado durante la residencia del año pasado.

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Para la edición de 2018, Rogelio se inspiró en el poema El paraíso perdido de John Milton y exploró temas de devastación ambiental, así como aspectos de la mitología maya utilizando el sonido como su medio principal. Su investigación resultó en la deconstrucción de instrumentos prehispánicos tocados en vivo a través de dispositivos electrónicos que utilizó durante la pieza acompañado de cuatro actores a lo largo de una obra de tres horas de duración que combinaba la práctica ritual con acciones sincronizadas que recordaban la desaparición del Jardín del Edén, un paraíso que finalmente fue destruido. Diferentes narraciones en lengua maya describieron la creación del mundo y del ser humano, con su descenso hacia la muerte y el final de los tiempos. Las narraciones mayas estaban entrelazadas por otra voz en inglés que hablaba de temas antropológicos, incluidos los estudios sobre el colonialismo, el hombre salvaje y el chamanismo.

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'Paraíso Perdido' fue un proyecto comisariado por Sally Montes y Mascha Isserlis, lanzado en colaboración con Una Pardo, Nabil Salazar, Alberto, Ariel de Rancho San Eric y Alejandro de Radio Candela.

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Este año, Rogelio acompañó esta proyección con una actuación musical en vivo con el tunkul maya y otros instrumentos prehispánicos en el escenario de la Casa de la Cultura pública. El público sentado en un círculo íntimo en el escenario ayudó a evocar la cercanía de la actuación original mientras la veíamos, y Rogelio habló más sobre el proceso de la actuación y los temas que había estado investigando.

«Y cuando llegué a este cabo, el olor de las flores o los árboles de la tierra era tan bueno y dulce, que puedo asegurar que era lo más dulce del mundo. [...]

Una hermosa tierra llena de árboles diferentes de mil maneras e infinitas palmeras. [...]

Y al amanecer, muchos de estos hombres llegaron a la playa, todos jóvenes, todos de buena estatura y muy hermosos [...] Deben ser buenos servidores [...]

Porque creo que existe el Paraíso en la Tierra, al que nadie puede llegar, excepto por voluntad divina [...]»

- Cristóbal Colón

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Sebastian Terrones (nacido en Cancún) utilizó su investigación reciente sobre el Antropoceno como punto de partida para su nuevo proyecto «Del paraíso terrenal a #Paradise», comparando el pasado colonial con el Tulum actual como caso de estudio del eje de poder que estructura esta Nueva Era del Hombre. Centrándose específicamente en el uso histórico de la estética como herramienta colonial, analizó el imaginario paradisíaco ideado y explotado por Cristóbal Colón y otros actores coloniales en relación con sus experiencias en el Caribe y las repercusiones que estos encuentros han tenido en la percepción moderna de la naturaleza y la humanidad, relacionándolos con la estética contemporánea del auge destructivo de la industria del turismo y la nueva ola de turismo «eco-chic» de Tulum.

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La historia y las cicatrices del colonialismo, así como la colonialidad del poder que provocaron, siguen muy presentes en el área local. El proyecto de Sebastian para AKI AORA se manifestó en forma de una conferencia, actuación y experiencia gastronómica, una colaboración entre el puesto de comida del mercado local «Las Veracruzanas» en el mercado central de la ciudad, que frecuentan predominantemente residentes pero también turistas. Concibió una deliciosa comida de cuatro platos llamada irónicamente «Paradise Delights», basada en la estructura de las «comidas corridas» mexicanas, una especie de comida rápida tradicional y saludable, accesible para todas las personas, con un menú lleno de ingeniosos guiños al colonialismo contemporáneo e histórico en las descripciones de los ingredientes, con títulos como «Bittersweet Encounter Soup» e «White Industry», para que lo consumieran quienes estuvieran en el mercado mientras escuchaban su acompañamiento. conferencia.

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Mientras comíamos, vinculó a Colón por un lado con el Tulum contemporáneo por el otro, estableciendo paralelismos con la parafernalia de la industria turística de Tulum y el uso de palabras como «eco-chic» para atraer turistas con el culto concepto de «paraíso» de Colón, sus construcciones estéticas ideadas estratégicamente para vender la idea de colonizar a los estadounidenses a los españoles. Al llamar nuestra atención sobre los lemas turísticos y la estética de Tulum para que sean tan cuestionados y deconstruidos como las imágenes de Colón, Tulum sugiere una casi segunda ola de colonialismo, con una fetichización muy similar del paraíso, que nuevamente va acompañada de la misma promesa de impulsar la economía y el «progreso» que sugirieron los «Conquistadores».

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«¿Qué es el turismo y sus paraísos contemporáneos, sino la perpetuación exponencial, tanto en la forma como en la operación, de la misma tarea colonial blanca que comenzó hace más de 500 años?

Un monocultivo extractivo que convierte todo lo que toca en imágenes vacías y estáticas, desvinculadas de los territorios y las culturas orgánicas locales, destinadas únicamente a satisfacer el placer sensorial y la visibilidad de unos pocos».

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Algunos lugareños siguieron la petición de comida gratis y luego se dieron cuenta de que también se trataba de una actuación sobre estos temas. Mientras Terrones desarrollaba su conferencia, cubrió su cuerpo con los accesorios del turismo, objetos que tenían una relación directa entre esta industria contemporánea y las citas de los diarios de Colón, hamacas, camisetas con mujeres de pechos completos blasonadas en ellas, una gran estructura tejida similar a las estructuras construidas utilizadas en las telas de estas estéticas ecochic de instagram, hasta que quedó completamente oculto, agobiado y hecho anónimo e incapaz de continuar la narración con estos atuendo populista y culturalmente apropiado.

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DELICIAS PARADISÍACAS

Sirviendo #1

SOPA AGRIDULCE DE ENCUENTRO

Sopa de verduras y munición, servida en un caldo rojo de tomate, remolacha y cúrcuma, acompañada de tres carabelas blancas de huevo duro y un toque de caña de azúcar.

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Sirviendo #2

ARROZ GREEN INFERNO

Una tropicalización del plato tradicional «Moros con cristianos», compuesto por un arroz blanco insípido, revuelto y envuelto por un frenesí de varios sabores inflamados de chaya, una mezcla de diferentes verduras y un toque de chile habanero en constante rebeldía.

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Sirviendo #3

INDUSTRIA BLANCA

Un monolito inmaculado de queso panela, cimentado sobre un abundante charco de privilegios de mole negro petrolífero, con acentos tonales de explotación constante, racismo y degradación ambiental.

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Desierto (ya sea A o B)

A) BLANCO SOBRE ROJO

Más de lo mismo. Pan blanco sin corteza, sostenido por una mancha constante de mermelada roja como la sangre.

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B) CARAMELOS DE UTOPÍA

Un sabor a dulce utopía, elaborado a partir del esfuerzo colectivo de múltiples seres vivos y de historias de resistencia a largo plazo.

En el único espacio abiertamente homosexual de la ciudad de Tulum, Fruity Bar, Benjamin Lee Richie Handler presentó una nueva encarnación de su «The Olivia Neutron Bomb Variety Show». Disfrazado como la alter-ego Olivia Newton Bomb, Richie Handler interpretó su conferencia de autoayuda sexual, inspiradora y musical de manera exhaustiva (de hecho de manera bastante explícita) sobre cómo hacer frente a un multiverso de identidades que se fusionan en una sola realidad.

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Olivia grabó un cortometraje en Tulum con varios miembros de la residencia, en el que transfirió sus principios de autoayuda para ilustrar cómo manifestarse en las múltiples identidades de uno simultáneamente. «¡Tú también puedes darte cuenta, metabolizar y racionalizar una multitud de ti mismo en el ahora!» practicó karaoke, bailó ritmos e inspiró al público a unirse a ella en su viaje.

Fruta caída‍

Su primera iniciativa fue mapear todos los árboles frutales que crecen dentro de los terrenos con derecho de paso público en un vecindario de Los Ángeles. A lo largo de los años, la colaboración ha crecido hasta incluir proyectos de arte público serializados, instalaciones específicas para sitios y eventos públicos en ciudades de todo el mundo. Al trabajar con fotografía, vídeo, objetos recontextualizados, cartografía y patrones de papel pintado, los artistas utilizan frutas y/o espacios públicos como medio material o artístico; su práctica aspira a invocar nuevos sistemas de comprensión de las formas en que interactuamos con el espacio público y el mundo natural, especialmente en áreas urbanas desarrolladas, como la forma en que la cultura impacta en un lugar y se convierte en «vida cotidiana». Los proyectos de David y Austin invitan a las personas a experimentar su ciudad como un lugar fructífero y generoso, a reimaginar colectivamente los matices de la participación pública y el espacio urbano, a reflexionar sobre las formas de ciudadanía localizada y a explorar el significado de la comunidad y el vecindario mediante la creación y el intercambio de los recursos disponibles.

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Para AKI AORA 2019, Fallen Fruit continuó su búsqueda del significado de lugar y comunidad. Con el apoyo de Azulik Uh May, Fallen Fruit amplió su «Endless Orchard» o «Huerto Sin Fin», árboles frutales que se plantan en el derecho de paso público para que todos los compartan y conecten los vecindarios de las comunidades. Los artistas hicieron sus investigaciones centrándose en la zona llamada ciudad de Tulum y en la aldea de Francisco Uh May. Se reunieron con residentes locales, dueños de negocios y líderes comunitarios para aprender sobre las historias locales y los rituales culturales. Los artistas fueron de puerta en puerta invitando a los vecinos a participar en el proyecto adoptando y cuidando árboles frutales para compartirlos con su comunidad. Se plantaron más de treinta y cinco árboles frutales en espacios públicos y fueron adoptados por los residentes locales en una constelación que une la ciudad de Tulum con Francisco Uh May. La lengua maya, que está en peligro de extinción, fue un componente vital para la accesibilidad del proyecto, ya que una fuerte comunidad maya aún está presente en la región. Un letrero de madera hecho a mano colocado en cada árbol frutal explica cómo compartir los recursos del árbol y cómo cuidarlo, tanto en español como en maya.

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El artista creó un mapa dibujado a mano de todos los árboles frutales existentes en el área, incluidos los árboles frutales recién plantados, para activar este recurso compartido para la comunidad. Los artistas se apropiaron de una estrategia tradicional de las empresas locales de la zona y alquilaron un camión de trabajo local para que recorriera la zona con un megáfono colocado en la parte superior del automóvil con un mensaje grabado para dar a conocer el proyecto. Como intervención pública, esta procesión en automóvil invitó a los miembros de la comunidad local y a los propietarios de negocios de la ciudad de Tulum y de Francisco Uh May a compartir sus frutas. El mensaje fue grabado en español y maya. Se alentó a todos a plantar los árboles y los participantes firmaron formularios de adopción en los que se comprometían a ayudar a cuidar los árboles y a compartir la fruta cuando estuviera madura. Los artistas realizaron un taller con un programa extracurricular local llamado Fundación La Esquina. Los jóvenes crearon recipientes de plástico para atrapar chinches a partir de botellas de plástico recicladas para proteger los árboles y prevenir posibles enfermedades en los nuevos árboles frutales, enseñándoles a los niños a reciclar y proteger los árboles fructíferos.

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Como parte del proceso de plantación e investigación de frutas, David y Austin con un equipo de apoyo de AKI AORA y LABORATORIO DE TINTA creó una nueva obra cinematográfica, HUERTO SIN FIN que cuenta la historia de esta colaboración y se centra en la alarmante llegada del turismo cultural a la zona que amenaza este paraíso natural, la moneda utilizada para atraer turistas en primer lugar.

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Fallen Fruit es una colaboración artística concebida originalmente en 2004 por David Burns, Matias Viegener y Austin Young. Desde 2013, David Burns y Austin Young han seguido colaborando.

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Los letreros hechos a mano escritos en español y maya son instrucciones sobre cuándo cosechar y cómo cuidar cada árbol:

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El huerto sin fin

Un proyecto participativo público para que todos lo compartan.

Este árbol frutal es parte de Endless Orchard.

La fruta es para todos, incluido usted.

Cuando esté madura, pruebe la fruta y compártala con los demás.

Toma solo lo que necesites. Saluda a los extraños.

Lleva a un amigo. Ve a pie.

Es un naranjo.

Las naranjas maduran en mayo.

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FRUTA PARA TODOS es un llamado a la acción y un poema.

Este mensaje fue grabado para el camión de frutas en maya y español.

FRUTA PARA TODOS!

¡Naranjas!

¡Limones!

¡Mandarinas!

¡Papayas!

¡Guanabanas!

MANGOS! ¡Aguacates! SAPOTES COMPARTA FRUTA

CON SUS VECINOS.CON SU COMUNIDAD

WITH THE SUYOS

WITH THE OTHERS

WITH THE OTHERS  

¡HAGAMOS UN HUERTO INFINITO!

UNAMONOS

UNETEAQUÍ AHORA

FRUTA PARA TODOS!

FRUTA PARA LOS SUYOS

FRUIT FOR OTHERS

FRUIT FOR OTHERS

Alyssa Nitchun es una consultora global independiente de arte, diseño y cultura que se especializa en desarrollo estratégico y producción. A Alyssa le motiva cómo la creatividad puede enriquecer nuestras vidas y convertirnos en mejores ciudadanos del mundo. De 2012 a 2018, Alyssa trabajó en la organización de arte público Creative Time en diversos puestos, el más reciente como directora ejecutiva interina, donde trabajó en estrecha colaboración con el consejo de administración para supervisar las numerosas iniciativas del grupo, así como el crecimiento organizativo a corto y largo plazo. Antes de trabajar en Creative Time, Alyssa supervisó las donaciones institucionales de Story Corps, la organización de medios públicos que archiva diversas historias orales en la Biblioteca del Congreso. Alyssa también ha sido directora de desarrollo del Centro de Estudios sobre Lesbianas y Gays del Centro de Graduados de la Universidad de Nueva York y ha ocupado diversos cargos creativos en el mundo del arte, la moda y la música. Alyssa obtuvo una maestría en Política de Género en la Universidad de Nueva York.

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Para AKI AORA, Alyssa trazó la evolución de las obras de arte públicas socialmente comprometidas en Nueva York desde mediados de la década de 1970 hasta la actualidad, teniendo en cuenta sus efectos en los artistas, las instituciones de arte y las comunidades globales. También actuó como mediadora en un debate entre curadores y artistas de AKI AORA y Azulik Uh May, uno de sus colaboradores locales, sobre la problemática de trabajar en el espacio público e involucrar a las comunidades locales.

ADN MAYA & LINCES OF TULUM, transmitieron en vivo Alejandro Uh Noh para la emisora Radio Candela Mayan Radio.

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La reconocida banda local de rap maya ADN MAYA hizo un concierto especial en el escenario de la Expo-feria pública, donde se realizan muchos de los conciertos públicos de Tulum para sus residentes. Los invitamos a colaborar con la banda escolar local «Linces of Tulum», a quienes descubrimos mientras practicaban en las calles de Tulum para los diversos concursos en los que participan. Como la única banda escolar con igualdad de género en la región, les pedimos a ellos y al líder de su banda, Jesús PatBoy, que actuaran para celebrar el Día Internacional de la Mujer. Los mayas de ADN son uno de los actores más importantes en la preservación de la lengua maya, una lengua que actualmente corre el grave peligro de ser olvidada. Queríamos tratar de involucrar y empoderar a los miembros de la población de habla maya de la ciudad.

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En la pasada edición de AKI AORA nos interesó el patrimonio cultural de la lengua maya. Este año invitamos a una emisora de radio que emite en lengua maya y que los pescadores del mar y de todas las regiones escuchan a través de una aplicación, lo que reduce la brecha entre las distintas comunidades. Le pedimos a uno de sus presentadores, Alejandro Uh Noh, alias «El príncipe maya», que entrevistara a los artistas y comentara las exposiciones desde su punto de vista. Alejandro ha regresado todos los años para cubrir los proyectos en vivo. Para esta edición, dirigió una transmisión en vivo del ADN MAYA & Linces de Tulum y entrevistó a varios de los otros artistas de la residencia para su programa.

Ana Gabriela García habló sobre los proyectos más recientes de Terremoto, que abordan la cuestión de cómo podemos, como agentes artísticos, trabajar con la mirada colonial y subvertirla en nuestras prácticas. Presentó el último número de Terremoto, «Mira quién habla», y habló sobre el programa de exposiciones La Postal, lanzado recientemente, que se centra en las investigaciones archivísticas.

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