Inspirado en el poema El paraíso perdido de John Milton, el trabajo de Rogelio durante AKI AORA se centró en explorar temas como la devastación del medio ambiente y la mitología maya utilizando el sonido como medio principal. La investigación resultó en la deconstrucción de instrumentos prehispánicos tocados en vivo a través de dispositivos electrónicos que el artista utilizó durante la pieza acompañado de cuatro actores durante una obra de dos horas de duración que combinaba la práctica ritual con acciones sincronizadas destinadas a recordar al público la desaparición del edén, en alusión a un paraíso que finalmente se destruye. Diferentes narraciones en lengua maya describieron la creación del mundo y del ser humano, con su descenso hacia la muerte y el final de los tiempos. Las narraciones mayas estaban entrelazadas por otra voz en inglés que hablaba de temas antropológicos que estudian el colonialismo, el hombre salvaje y el chamanismo.

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Paraíso perdido es un proyecto comisariado por Sally Montes y Mascha Isserlis, publicado en colaboración con Una Pardo, Nabil Salazar, Alberto? ¿, Ariel? De Rancho San Eric y Alejandro de Radio Candela.

Mariana David ha sido coordinadora del espacio de arte alternativo La Panadería, directora del MUCA Roma, UNAM, donde desarrolló el programa El derecho a la ciudad y, como curadora independiente, lanzó una residencia artística en la ciudad fronteriza norteña de Cd. Juárez.

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participó en el recientemente publicado Art and the Global Economy (University of California Press) editado por John Zarobell. Actualmente trabaja en un documental sobre la relación entre el periodismo, la política y el espectáculo en México, y es coordinadora del Programa de Educación del Museo Tamayo.

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Paul D. Miller, también conocido como DJ Spooky, dio una conferencia y una actuación en la inauguración de AKI AORA 2018, donde presentó parte de su propio estudio multimedia y multidisciplinario sobre la Antártida

Aquí y ahora, llegas a Tulum para sentir curiosidad, para tocar cosas, para que te toquen las cosas. Estás de pie sobre una roca calcárea, los colores son abrumadores, especialmente si vienes de una parte del mundo poco saturada. Te vuelves firme y presente, como una roca sobre la que estás parado.

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Hay rocas que te hacen más pesado, hay rocas que te hacen más ligero. Las piedras que tragas aquí se convierten en un colador poroso dentro de tu barriga y filtran las cosas.

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Es un lugar lleno de historias y, a menudo, es difícil entender quién cuenta la historia: los invadidos, los invasores, los rebeldes u otros, aún sin nombre. Huitlacoche, hongos, porro de maíz o trufa mexicana: un ingrediente y demasiados nombres. La comida diaria azteca de ayer. El manjar de hoy en una región y la plaga en otra.

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El maíz como un barco que viaja en el tiempo y que evolucionó a partir de la domesticación de la jungla y a través de muchas especies y líneas temporales.

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Hay líquido en la boca, un jugo que proviene de presionar una piedra con la lengua. Piedra hecha de hongos, hongos que crecen con el maíz, maíz del que están hechas todas las personas.

(1) Del francés amuse-bouche

(2) Según el Popol Vuh: el texto sagrado de los antiguos mayas quiché

Hendrik Weber, también conocido como Pantha du Prince, hizo una investigación durante su tiempo de residencia y estableció varios procesos de colaboración que dieron como resultado una serie de talleres y actuaciones que tuvieron lugar durante la residencia y el programa público en Tulum, México. Durante su investigación, Hendrik se interesó inicialmente por los diferentes tipos de madera que se utilizaban en los instrumentos mayas para convertir su vivienda en un estudio de música y trabajar en un proyecto a largo plazo llamado La Conferencia de los Árboles. Con el maestro José, un sabio guardián de los rituales mayas y especialista en los instrumentos musicales prehispánicos, Hendrik trabajó en la percusión con bloques de madera, Tun Kul, que talló bajo la supervisión del maestro. Junto con la organización La Esquina, con sede en Tulum, que trabaja con los niños locales de Tulum, Weber y el maestro José organizaron un taller especial, en el que los niños recibieron clases sobre cómo producir y tocar diferentes instrumentos de percusión. Para el Programa Público AKI AORA de 2018, Hendrik creó una instalación y una actuación especial llamada Orchestra of forgotten Skills. La coreografía de los sonidos se inspiró inicialmente en los colores utilizados por los mayas para definir las cuatro direcciones del mundo: el rojo para el este, el negro para el oeste, el amarillo para el sur y el blanco para el norte, que representa el círculo solar con el color azul en el centro, que es la fusión de todas las direcciones. La narración musical se componía de ocho partes: tono básico, transición, agua, aire, tierra, fuego, epílogo y final. El tono básico lo interpretó Hendrik Weber con las campanas rusas. En la transición, todos los músicos lo acompañaron y, a continuación, el maestro José hizo un llamado a los espíritus de las cuatro direcciones. Para los cuatro elementos, los músicos tenían un ritmo individual diferente para cada uno de ellos como conjunto, lo que creó la base para una interacción musical intuitiva. En el epílogo, el maestro José explicaba el significado de las relaciones entre las matemáticas mayas y las constelaciones estelares y por qué todos los músicos participantes estaban marcados con un número mágico determinado, el 13, que era un símbolo unificador del grupo, y se sumaba a otro número mágico, el 52. En la final, todos los elementos se encuentran, aumentan la intensidad y se disuelven en un espacio trascendente para todos los presentes en la sala. Al interpretar la Orquesta de las Habilidades Olvidadas, encarnando cada elemento en forma de ritmo y sonido, volvemos de nuevo a las cuestiones existenciales humanas básicas del significado y la relación.

En Five Feet High and Rising, el artista Mario García Torres rastrea una historia cultural un tanto esotérica de los ríos. Five Feet traza y fusiona diferentes historias de movimiento, migración y fragmentación a la vez que se deja llevar por una combinación de imágenes y música que hacen referencia a vías fluviales pequeñas y grandes. En una historia personal que interrumpe y atraviesa el tiempo cronológico, García Torres reúne los desbordamientos de estos ríos dispares en una nueva narración interpretada.

En las dos primeras semanas de febrero de 2018 comenzamos una exploración artística en Tulum, México, durante la cual descubrimos una contaminación marina radical en el paisaje: relaciones simbióticas contemporáneas en las que inevitablemente diferentes formas de vida coexistían con el plástico y otros desechos humanos.

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Con el uso de un microscopio construido por nosotros mismos, asumimos la tarea de monitorear a pequeña escala las formas que nos presentaban estas nuevas simbiosis para expresar la poética de la resiliencia. En el ámbito microscópico, todas las formas nos recuerdan que la vida es una plataforma para la abundancia de materialidad, que lo inorgánico también es una disposición física natural y que el océano moldea nuestros plásticos de la misma manera que el resto de los residuos materiales que dan origen a las especies híbridas. Esto nos confirmó que la naturaleza siempre gana. En esta actuación en directo utilizamos el microscopio como una interfaz sonora viva, la poética de la resiliencia expresada en el sonido y el sonido como un puente que conecta a las especies.

Durante el AKI AORA programa de residencia (Tulum, 2018) exploramos a través de géneros musicales corporales y de baile para «perrear», como: reguetón, dancehall, funky carioca, champeta, choke, etc., lo que llevó a PERLECTORES DE AGUAFIESTAS, en la que llevamos a cabo diferentes provocaciones físicas como formas de protesta cuirfeminista.

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Una de estas provocaciones consistió en recorrer Tulum acompañados de un altavoz portátil invadiendo el espacio público con «música periciosras» y nuestro baile único. Entender esto último como una práctica corporal alegre, autocumplida, que nos permitía reconocernos y representarnos a nosotros mismos para apropiarnos de canciones identificadas desde una perspectiva de clase, por misóginas y sexistas. Con ello, pretendemos desvirtuar desde nuestros cuerpos la exotización y mitificación de las mujeres y de la feminidad, definidas a partir de estereotipos de género, sexualidad y racialización, como una extensión de ciertos territorios como los trópicos, el Caribe y América Latina. La enunciación de que no somos una articulación del paisaje disponible para ser consumido.

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Invadimos las calles periféricas de Tulum, las construcciones en negro y los basureros. Lugares recónditos, sin ningún interés turístico, que por un lado alteran la idea paradisíaca, ecochic y lujosa de Tulum y, por otro, son lugares que de manera generalizada se identifican como espacios de acoso y violencia física y simbólica para los cuerpos feminizados. Por lo tanto, también son espacios propicios para el sabotaje; para «portarnos mal», mover el culo como queramos, donde queramos, para meter el cuerpo sin miedo, para que sea nuestra calle, aunque sea de forma transitoria.

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Simultáneamente a estas provocaciones, hicimos un álbum musical también llamado PERLECTORES AGUAFIESTAS que recopila 28 canciones de «músicas pa 'sAcuir los asses y los géneros» hechas por mujeres entre los ochenta y 2017, donde se encuentran diferentes géneros musicales del perreo, constituyendo un archivo que da cuenta y sitúa la celebración y la producción de otras feminidades, y pone de manifiesto la falsa estabilidad de cualquier tipo de género. Para la difusión de esta recopilación, volvimos a las calles mediante una transmisión callejera a través de un micrófono y un altavoz, en la que a todo volumen presentamos a nuestras amigas imaginarias, bailamos sus canciones y compartimos el proyecto con las diferentes mujeres que conocimos en las giras, especificando pequeñas reuniones en las que les contábamos a las mujeres a quién escuchábamos, por qué bailábamos y por qué se trataba de una forma de protesta intentando intercambiar posibles complicidades. PERLECTORES AGUAFIESTAS nos permitió perturbar el espacio público con nuestra alegre presencia, ¡vamos a por más!

Ahmet Ögüt ha estado observando hechos sobre Tulum que al principio parecen surrealistas, como el escritor Sezgin Boynik denomina «surrealismo social» cuando habla de la práctica artística de Ögüt.

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Cosas que se pueden observar en la vida sociopolítica cotidiana de la comunidad, como el letrero abandonado con el nombre de la ciudad o los policías despedidos recientemente después de protestar durante cuarenta y cinco días para obtener derechos básicos para su propia seguridad. Ya que tienen que comprar incluso sus propios uniformes y equipo, pagar su propia atención médica e incluso pagar su propio alojamiento durante los entrenamientos.

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Ögüt codificó su película utilizando las tradiciones y el lenguaje mayas, como la piedra negra de obsidiana, que utilizaban los mayas para ver los eclipses de sol.

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Las historias de su película se unifican en torno a la letra T original, que faltaba, y la utiliza como hilo rojo que conecta la narración y crea un toque poético en la obra de vídeo.

Nika Chilewich fue invitada como oradora para dar una charla y presentación sobre sus proyectos curatoriales recientes «trapos sucios» y el museo Sierra Hermosa.