En 2018, Tulum era ecológicamente singular, tenía capas culturales y estaba llena de contradicciones que hacen que el arte sea urgente y convincente. En su segunda edición, AKI AORA continuó preguntándose cómo la práctica basada en la investigación en sitios específicos podría responder a las realidades sociales y ambientales del territorio en tiempo real. La residencia ha funcionado como un laboratorio: se invita a los artistas no a presentar obras existentes, sino a permitir que surjan nuevas prácticas a partir de un compromiso sostenido con el lugar, sus historias y sus contradicciones. El resultado fue una edición que rechazó las posturas fáciles y mantuvo en tensión la utopía y la distopía como dos caras de la misma realidad.
Meses antes de que se abriera la residencia, Kaitlyn Aurelia Smith actuó en un acto de lanzamiento que marcó la pauta de la edición: sus composiciones electrónicas orgánicas y estratificadas son una especie de obertura a las preguntas que vendrían después.
La residencia reunió a artistas cuyas prácticas, aunque distintas, estaban unidas por una atención compartida a los sistemas (ecológicos, políticos, culturales, sonoros) y a las formas en que esos sistemas se descomponen, mutan y persisten. Henrik Weber, conocida como Pantha du Prince, desarrolló La orquesta de las habilidades olvidadas en colaboración con los niños de Fundación La Esquina, guiándolos para construir sus propios instrumentos desde cero antes de tocar juntos junto a Weber y sus campanas, un conjunto fugaz e irrepetible creado enteramente a partir del encuentro entre el artista, la comunidad y el lugar.
Interespecíficos (Leslie Garcia, Paloma López, MEX) desarrolló Especies resilientes mediante una investigación inmersiva sobre las intersecciones de la biología, el sonido y la inteligencia artificial, que explora las capacidades comunicativas y adaptativas de los sistemas vivos y se pregunta qué formas de inteligencia, relación y coexistencia siguen siendo ilegibles para el sensorio humano.
Mario Garcia Torres (MEX) trazó una historia cultural un tanto esotérica de los ríos en Cinco pies de altura y subiendo — una obra que trazó y fusionó diferentes historias de movimiento, migración y fragmentación, a la deriva a través de una combinación de imágenes y música que hacían referencia tanto a las vías fluviales pequeñas como a las grandes. En una narración personal que interrumpió y atravesó el tiempo cronológico, García Torres dirigió los desbordamientos de estos ríos dispares en una nueva narración interpretada, encontrando en el flujo del agua una metáfora de los flujos —de personas, capital, cultura— que definen a Tulum hoy y más allá.
Invasorix (MEX) desarrollado Aguafiestas de Perreadoras in situ: su reguetón feminista y su actuación colectiva practican un rechazo a la imagen saneada y aspiracional de la región, e insisten en los cuerpos, las voces y la política que esa imagen se esfuerza por borrar con ahínco.
Wendy Cabrera Rubio y Josue Mejia (MEX) orientaron su investigación hacia Xcaret y la mecánica del espectáculo cultural, colaborando con Guadalupe, una profesora de arte local y experta en réplicas prehispánicas, para desarrollar Apocalipto: El Estilo Maya Aplicado a las Artes Auxiliares. Presentado en el Casa de la Cultura en Tulum, la obra aplicó la estética maya a las artes auxiliares con una irreverencia aguda: un comentario en capas sobre la apropiación cultural, la espectacularización del patrimonio indígena y el apetito de la industria del turismo por un pasado preempaquetado.
Ahmet Ogut (TUR) desarrollado La T que falta — una obra de vídeo de un solo canal que surgió de su observación atenta de la vida social y política de la comunidad de Tulum: el letrero abandonado con el nombre de la ciudad y los policías recientemente despedidos que habían protestado durante cuarenta y cinco días exigiendo derechos básicos; los oficiales tenían que comprar sus propios uniformes, equipo, atención médica e incluso alojamiento durante el entrenamiento. Una obra sobre lo que cuesta un lugar a quienes su reinvención invisibiliza.
Taus Makhacheva (RUS) desarrollado Y entonces, ocurrió México en colaboración con el chef Jose Luis Hinostroza— un postre inspirado en la porosa roca caliza de la región de Yucatán, elaborado para que parezcan rocas pero hecho de merengue suave relleno de huitlacoche, que compartió con el público durante su presentación. Una obra que disolvió los límites entre el arte, el territorio, el gusto y el encuentro.
Rogelio Sosa (MEX) desarrollado Paraíso perdido durante su residencia, una actuación basada en el poema épico de John Milton como punto de partida, presentada en vivo junto a actores locales de la industria de servicios de Tulum.
El programa público amplió las preguntas de la residencia para convertirlas en un diálogo abierto. Paul Miller también conocido como DJ Spooky habló sobre su investigación reciente en la Antártida, que explora el sonido, el hielo y la estética de la emergencia climática. Mariana David reflexionó sobre su práctica curatorial. Y curadora Nika Chilewich compartió su práctica curatorial en la Ciudad de México
La edición de 2018 fue comisariada por Sally Montes y Masha Isserlis.
Hendrik Weber, también conocido como Pantha du Prince, hizo una investigación durante su tiempo de residencia y estableció varios procesos de colaboración que dieron como resultado una serie de talleres y actuaciones que tuvieron lugar durante la residencia y el programa público en Tulum, México. Durante su investigación, Hendrik se interesó inicialmente por los diferentes tipos de madera que se utilizaban en los instrumentos mayas para convertir su vivienda en un estudio de música y trabajar en un proyecto a largo plazo llamado La Conferencia de los Árboles. Con el maestro José, un sabio guardián de los rituales mayas y especialista en los instrumentos musicales prehispánicos, Hendrik trabajó en la percusión con bloques de madera, Tun Kul, que talló bajo la supervisión del maestro. Junto con la organización La Esquina, con sede en Tulum, que trabaja con los niños locales de Tulum, Weber y el maestro José organizaron un taller especial, en el que los niños recibieron clases sobre cómo producir y tocar diferentes instrumentos de percusión. Para el Programa Público AKI AORA de 2018, Hendrik creó una instalación y una actuación especial llamada Orchestra of forgotten Skills. La coreografía de los sonidos se inspiró inicialmente en los colores utilizados por los mayas para definir las cuatro direcciones del mundo: el rojo para el este, el negro para el oeste, el amarillo para el sur y el blanco para el norte, que representa el círculo solar con el color azul en el centro, que es la fusión de todas las direcciones. La narración musical se componía de ocho partes: tono básico, transición, agua, aire, tierra, fuego, epílogo y final. El tono básico lo interpretó Hendrik Weber con las campanas rusas. En la transición, todos los músicos lo acompañaron y, a continuación, el maestro José hizo un llamado a los espíritus de las cuatro direcciones. Para los cuatro elementos, los músicos tenían un ritmo individual diferente para cada uno de ellos como conjunto, lo que creó la base para una interacción musical intuitiva. En el epílogo, el maestro José explicaba el significado de las relaciones entre las matemáticas mayas y las constelaciones estelares y por qué todos los músicos participantes estaban marcados con un número mágico determinado, el 13, que era un símbolo unificador del grupo, y se sumaba a otro número mágico, el 52. En la final, todos los elementos se encuentran, aumentan la intensidad y se disuelven en un espacio trascendente para todos los presentes en la sala. Al interpretar la Orquesta de las Habilidades Olvidadas, encarnando cada elemento en forma de ritmo y sonido, volvemos de nuevo a las cuestiones existenciales humanas básicas del significado y la relación.
Ahmet Ögüt ha estado observando hechos sobre Tulum que al principio parecen surrealistas, como el escritor Sezgin Boynik denomina «surrealismo social» cuando habla de la práctica artística de Ögüt.
Cosas que se pueden observar en la vida sociopolítica cotidiana de la comunidad, como el letrero abandonado con el nombre de la ciudad o los policías despedidos recientemente después de protestar durante cuarenta y cinco días para obtener derechos básicos para su propia seguridad. Ya que tienen que comprar incluso sus propios uniformes y equipo, pagar su propia atención médica e incluso pagar su propio alojamiento durante los entrenamientos.
Ögüt codificó su película utilizando las tradiciones y el lenguaje mayas, como la piedra negra de obsidiana, que utilizaban los mayas para ver los eclipses de sol.
Las historias de su película se unifican en torno a la letra T original, que faltaba, y la utiliza como hilo rojo que conecta la narración y crea un toque poético en la obra de vídeo.
Durante el AKI AORA programa de residencia (Tulum, 2018) exploramos a través de géneros musicales corporales y de baile para «perrear», como: reguetón, dancehall, funky carioca, champeta, choke, etc., lo que llevó a PERLECTORES DE AGUAFIESTAS, en la que llevamos a cabo diferentes provocaciones físicas como formas de protesta cuirfeminista.
Una de estas provocaciones consistió en recorrer Tulum acompañados de un altavoz portátil invadiendo el espacio público con «música periciosras» y nuestro baile único. Entender esto último como una práctica corporal alegre, autocumplida, que nos permitía reconocernos y representarnos a nosotros mismos para apropiarnos de canciones identificadas desde una perspectiva de clase, por misóginas y sexistas. Con ello, pretendemos desvirtuar desde nuestros cuerpos la exotización y mitificación de las mujeres y de la feminidad, definidas a partir de estereotipos de género, sexualidad y racialización, como una extensión de ciertos territorios como los trópicos, el Caribe y América Latina. La enunciación de que no somos una articulación del paisaje disponible para ser consumido.
Invadimos las calles periféricas de Tulum, las construcciones en negro y los basureros. Lugares recónditos, sin ningún interés turístico, que por un lado alteran la idea paradisíaca, ecochic y lujosa de Tulum y, por otro, son lugares que de manera generalizada se identifican como espacios de acoso y violencia física y simbólica para los cuerpos feminizados. Por lo tanto, también son espacios propicios para el sabotaje; para «portarnos mal», mover el culo como queramos, donde queramos, para meter el cuerpo sin miedo, para que sea nuestra calle, aunque sea de forma transitoria.
Simultáneamente a estas provocaciones, hicimos un álbum musical también llamado PERLECTORES AGUAFIESTAS que recopila 28 canciones de «músicas pa 'sAcuir los asses y los géneros» hechas por mujeres entre los ochenta y 2017, donde se encuentran diferentes géneros musicales del perreo, constituyendo un archivo que da cuenta y sitúa la celebración y la producción de otras feminidades, y pone de manifiesto la falsa estabilidad de cualquier tipo de género. Para la difusión de esta recopilación, volvimos a las calles mediante una transmisión callejera a través de un micrófono y un altavoz, en la que a todo volumen presentamos a nuestras amigas imaginarias, bailamos sus canciones y compartimos el proyecto con las diferentes mujeres que conocimos en las giras, especificando pequeñas reuniones en las que les contábamos a las mujeres a quién escuchábamos, por qué bailábamos y por qué se trataba de una forma de protesta intentando intercambiar posibles complicidades. PERLECTORES AGUAFIESTAS nos permitió perturbar el espacio público con nuestra alegre presencia, ¡vamos a por más!
.avif)
Mariana David ha sido coordinadora del espacio de arte alternativo La Panadería, directora del MUCA Roma, UNAM, donde desarrolló el programa El derecho a la ciudad y, como curadora independiente, lanzó una residencia artística en la ciudad fronteriza norteña de Cd. Juárez.
participó en el recientemente publicado Art and the Global Economy (University of California Press) editado por John Zarobell. Actualmente trabaja en un documental sobre la relación entre el periodismo, la política y el espectáculo en México, y es coordinadora del Programa de Educación del Museo Tamayo.
En las dos primeras semanas de febrero de 2018 comenzamos una exploración artística en Tulum, México, durante la cual descubrimos una contaminación marina radical en el paisaje: relaciones simbióticas contemporáneas en las que inevitablemente diferentes formas de vida coexistían con el plástico y otros desechos humanos.
Con el uso de un microscopio construido por nosotros mismos, asumimos la tarea de monitorear a pequeña escala las formas que nos presentaban estas nuevas simbiosis para expresar la poética de la resiliencia. En el ámbito microscópico, todas las formas nos recuerdan que la vida es una plataforma para la abundancia de materialidad, que lo inorgánico también es una disposición física natural y que el océano moldea nuestros plásticos de la misma manera que el resto de los residuos materiales que dan origen a las especies híbridas. Esto nos confirmó que la naturaleza siempre gana. En esta actuación en directo utilizamos el microscopio como una interfaz sonora viva, la poética de la resiliencia expresada en el sonido y el sonido como un puente que conecta a las especies.
.avif)
Nika Chilewich fue invitada como oradora para dar una charla y presentación sobre sus proyectos curatoriales recientes «trapos sucios» y el museo Sierra Hermosa.
Aquí y ahora, llegas a Tulum para sentir curiosidad, para tocar cosas, para que te toquen las cosas. Estás de pie sobre una roca calcárea, los colores son abrumadores, especialmente si vienes de una parte del mundo poco saturada. Te vuelves firme y presente, como una roca sobre la que estás parado.
Hay rocas que te hacen más pesado, hay rocas que te hacen más ligero. Las piedras que tragas aquí se convierten en un colador poroso dentro de tu barriga y filtran las cosas.
Es un lugar lleno de historias y, a menudo, es difícil entender quién cuenta la historia: los invadidos, los invasores, los rebeldes u otros, aún sin nombre. Huitlacoche, hongos, porro de maíz o trufa mexicana: un ingrediente y demasiados nombres. La comida diaria azteca de ayer. El manjar de hoy en una región y la plaga en otra.
El maíz como un barco que viaja en el tiempo y que evolucionó a partir de la domesticación de la jungla y a través de muchas especies y líneas temporales.
Hay líquido en la boca, un jugo que proviene de presionar una piedra con la lengua. Piedra hecha de hongos, hongos que crecen con el maíz, maíz del que están hechas todas las personas.
(1) Del francés amuse-bouche
(2) Según el Popol Vuh: el texto sagrado de los antiguos mayas quiché
Paul D. Miller, también conocido como DJ Spooky, dio una conferencia y una actuación en la inauguración de AKI AORA 2018, donde presentó parte de su propio estudio multimedia y multidisciplinario sobre la Antártida
.avif)
Inspirado en el poema El paraíso perdido de John Milton, el trabajo de Rogelio durante AKI AORA se centró en explorar temas como la devastación del medio ambiente y la mitología maya utilizando el sonido como medio principal. La investigación resultó en la deconstrucción de instrumentos prehispánicos tocados en vivo a través de dispositivos electrónicos que el artista utilizó durante la pieza acompañado de cuatro actores durante una obra de dos horas de duración que combinaba la práctica ritual con acciones sincronizadas destinadas a recordar al público la desaparición del edén, en alusión a un paraíso que finalmente se destruye. Diferentes narraciones en lengua maya describieron la creación del mundo y del ser humano, con su descenso hacia la muerte y el final de los tiempos. Las narraciones mayas estaban entrelazadas por otra voz en inglés que hablaba de temas antropológicos que estudian el colonialismo, el hombre salvaje y el chamanismo.
Paraíso perdido es un proyecto comisariado por Sally Montes y Mascha Isserlis, publicado en colaboración con Una Pardo, Nabil Salazar, Alberto? ¿, Ariel? De Rancho San Eric y Alejandro de Radio Candela.
.avif)
En Five Feet High and Rising, el artista Mario García Torres rastrea una historia cultural un tanto esotérica de los ríos. Five Feet traza y fusiona diferentes historias de movimiento, migración y fragmentación a la vez que se deja llevar por una combinación de imágenes y música que hacen referencia a vías fluviales pequeñas y grandes. En una historia personal que interrumpe y atraviesa el tiempo cronológico, García Torres reúne los desbordamientos de estos ríos dispares en una nueva narración interpretada.
.avif)